在藝術表達日益多元的當下，有人在色彩的絢爛裡尋找共鳴，有人在單色的極致中探索自我。蔣友柏，這位40歲才踏入純藝術領域的創作者，始終以獨特的節奏解構藝術、與時代對話。

2026年3月，中國台灣當代藝術家蔣友柏攜“萬物有靈|萬像”年度首展亮相成都。開展前夕，蔣友柏接受了四川日報全媒體記者專訪。這一次，他以工業材料為墨，以東方寫意為骨，在蓉城的藝術語境裡，講述關於自我、時代與藝術共生的思考。

“萬物有靈︱萬像”首展受關注已有5000人次赴藝術之約

蔣友柏2026年度全國首展“萬物有靈︱萬像”落地成都后，關注度持續攀升。4月8日，記者從麓湖A4X藝術中心獲悉，這場自3月14日啟幕的專題藝術展，截至目前觀展人數已達5000余人次。該展覽由資深策展人許佩珊策劃，展期將延續至5月5日，為觀眾帶來近兩個月的沉浸式藝術體驗。

此次展覽是蔣友柏首次以“單色”為主導的專題藝術呈現，共展出30余件全新創作的作品。老虎、大熊貓、龍等極具東方文化標識的動物形象，既是創作核心，也是藝術家最為鐘愛的創作題材。蔣友柏在創作過程中，大膽融合鑽石粉、汽車烤漆、亞克力、樹脂等多元工業媒材，以極簡的單一色調排除繁雜的視覺干擾，使作品呈現出堅固光滑的獨特質感，甚至允許觀眾隨意觸摸。從不同角度看，作品能夠折射出各異的光澤，地面會投射出靈動的水波紋，讓看似簡約的單色表達蘊含豐富的層次。每幅作品都搭配了藝術家原創的英文題詩，中文內容則標注在展簽之上。這一設計成為他融匯東西方文化與審美的獨特探索，也讓觀眾能夠從畫面中感受到“減法藝術”背后的萬象生機。

不惑之年入行不斷檢驗自我能力

與多數二十出頭便嶄露頭角的藝術家不同，蔣友柏的藝術之路，起步於不惑之年。“全世界比較知名的藝術家，一輩子到70多歲辦展400多場，我40歲才入行，是不是要先趕20年的展數？”這份直白的自問，成為他近年密集辦展的核心動因。

在他的藝術規劃裡，辦展從來不是簡單的作品陳列，而是自我精進的試煉與專業的驗証。“第一個好處是讓我借著這個目標不斷精進，另一個是接觸的觀者、機構越多，越清楚自己是不是這塊料，能不能在藝術專業裡立足。”

這份“趕進度”的背后，是極致的自我要求：“我的展覽每一次都是新作品，基本上不會出現舊作品，沒有新作品我就不展覽。”於他而言，每一場展覽都是一次自我挑戰，拒絕巡回式的作品展示，隻為讓觀眾看到當下最真實的創作狀態，也讓自己在不斷的創作中，觸摸藝術的本質。

而將大陸作為展覽的核心陣地，源於他最朴素的創作觀：“我不喜歡飛行，歐洲的邀約也有，但都沒說服自己。更重要的是，在自家都沒做好的事情，跑去國外撒野干什麼？”這份扎根本土的堅守，讓他的作品始終與當下的土地、當下的人，保持著深度的聯結。

AI是對話者而非替代者不可復制方為藝術

當AI視覺大模型席卷創作領域，傳統藝術的邊界不斷受到試探，蔣友柏的態度，既清醒又開放。

他坦言，自己每天的工作，都有一項內容：“看AI能不能畫出我的畫，目前它還畫不出來。”這份自信，並非對新技術的排斥，而是對自身創作獨特性的篤定。在他看來，AI的價值，不在於替代創作，而在於成為創作過程中的對話者：“我會用AI，但用法和別人不一樣，我可以借此與所有已存在的藝術家對話，和梵高對話，和達利對話，它輔助我去思考藝術創作。”

而在工作室的數位影像創作中，AI早已成為重要工具：“三年前就開始大量使用，它降低了很多技術門檻和成本門檻，同時完全提升了創作效果，這在數位藝術裡非常重要。”但他始終保持著對藝術本質的思考：“如果現在你沒有辦法拍出AI做不出來的影像，那攝影還算不算是藝術？”

在他的認知裡，藝術的核心，在於不可復制的獨特性：“我自己認為，如果可被復制的，就不叫作藝術。”面對AI帶來的沖擊，他毫無焦慮，反而樂見其成：“它會促使大家重新思考，今年我給自己設定的最重要的課題，就是思考要成為什麼樣的人，怎麼活成一個人。”這份對“人”的堅守，成為他對抗技術同質化的核心底氣。

單色是烙印亦是活成彩色的起點

本次成都個展，蔣友柏以“單色”為核心，全新創作系列作品。這組被他定義為“孤品”的作品，背后是他對人生、對自我的深度解構。“我之前就做過單色系列，但這次將其做成展覽，短期內應該不會再這樣創作，因為難度太高。很多作品在創作時，因為媒材、光澤度的問題，我真的不知道自己在做什麼，只是憑感覺去做。”

選擇單色，並非對色彩的舍棄，而是對自我本質的回歸。“每個人出生時，都會有屬於自己的顏色，隨著社會教育與階層結構的塑造，這個顏色會逐漸固定，這是不可避免的。但這並不意味著，憑借這個顏色活不出多彩人生。”蔣友柏直言，自己也曾想過掙脫與生俱來的“顏色”，但最終發現，“這是一個烙印，而烙印也沒有什麼不好，它就是你為什麼獨特的原因所在。”

於是，他將人生的獨特性，凝練成單色的創作語言：“我這一輩子，都在試著用我自己的顏色，不管你現在看我是什麼顏色，我都會活出我的彩色。”這抹單色，既是他對自我身份的接納，也是對每一個生命個體的觀照——無論被外界貼上何種標簽，都能在自我的底色裡，綻放獨屬於自己的光彩。

為了讓這份單色的表達，擁有更長久的生命力，蔣友柏大膽運用工業材料創作：“除了設計師的背景，我喜歡探討復合式媒材，這些作品耐用，用水潑、酒精潑、火燒，3分鐘內都不會有問題。”他打破了傳統藝術作品“嬌貴”的桎梏，讓藝術融入日常：“我希望大家去接觸它，而且它越晒層次越多，陽光的顏色會讓它的紋路、色彩發生變化。”

在他看來，工業材料的運用，亦是對“當代藝術”的深度詮釋：“大陸的工業非常強，工業，能不能夠轉化為藝術？所有的當代藝術，都是用當代的材料在做，我就在思考，我的當代藝術該是什麼樣的。”這份思考，讓他的單色創作，既蘊含東方美學的內核，又帶有當代的時代印記。

作品是畫框觀者才是最后一筆

“我的作品絕非一個完成品，永遠都只是一個畫框，而觀者，才是我作品的最后那一筆。”這是蔣友柏始終堅持的創作理念，也是他的作品充滿生命力的核心原因。

在他的眼裡，作品一旦誕生，便有了自己的命運，創作者無需過度干涉：“你覺得它是什麼，它就是什麼。”所以他常說，自己的藏家，“基本上都是在認養動物”，這些作品回到藏家的家中，會與他們產生持續的對話，成為生活的一部分。

這份對觀者的尊重，源於他對藝術價值的理解：“我對自己的創作要求是，必須傳遞正向的情感，我沒法接受回到家看到一幅畫，每次看到都覺得人生毀滅了，就算他是再好的藝術家，我也沒有辦法把它放在家裡。”在他看來，藝術的終極價值，是滋養生活，而非制造焦慮。

本次展覽中，反復出現的動物形象，是蔣友柏對人心、對時代的投射，“動物不再是動物，它是一種人性的投射，一個時代的鏡像，每一幅作品，都是我對當下的人和社會的映照。”而其中的“猩龍”形象，更是他的自我寫照——猩猩與龍的結合，既是他屬龍的身份印記，也是他對人生不同階段的深刻反思。

結緣成都大熊貓情結藏著創作的期許

成都，是蔣友柏藝術之路上的重要坐標。早在2019年，他便來蓉做過設計演講，太古裡的“上下茶室”的設計出自其手，2021年的成都雙年展，也有他的作品展出。“成都是舒服的”，簡單的六個字，是他對這座城市最直觀的感受。

而這份緣分裡，藏著一個情結——大熊貓。“熊貓是最國際的動物，又黑又白又亞洲，全世界的熊貓，代表的都是快樂。”他坦言，自己早年間曾創作過一幅9米的《熊霸天下》，畫了88隻大熊貓，“用白描的手法，以油漆繪制，到目前為止都不拿出來展，因為我知道自己畫不出來了，回不到當時創作的那個狀態了。”

而此次來到成都辦展，也讓他對這座城市的藝術氛圍有了新的期待：“館長真的很用心，我的作品沒辦法用常態的方式呈現，他還在不斷調整，希望讓作品的美更好地展現。”他直言，麓湖A4X藝術中心的沉浸式人文景觀，讓他看到了藝術與空間融合的更多可能。

藝術的本質是融合與分享而非對立與割裂

在蔣友柏的藝術理念中，融合是一個永恆的關鍵詞。無論是東西方文化的交融，還是不同藝術家之間的融合，抑或是藝術與生活的有機結合，都成為他創作的重要底色。

本次成都展，他與楊加勇、陳曉東兩位大陸藝術家共同創作，這並非偶然之舉，而是他長期堅持的創作方向：“從去年5月北京展開始，這會是我以后每一場展都會做的事。我想要把藝術的氛圍，帶回當代藝術在西方剛開始的感覺，它是一種融合。”

在他看來，當下的藝術圈，不乏表面和諧、私下互相否定的狀態，“我自己不太喜歡這個狀態，因為藝術應該帶給人的是美好的東西。”如今有了一定的能力，他便希望打造一個融合的藝術平台：“價值觀要趨同，我的就是你的，你的也是我的，你可以在我上面隨便畫，我可以在你上面隨便作，這才是藝術的本質，它沒有絕對的對或錯，但有絕對的分享。”

而他的創作，本身就是一場東西方文化的融合。有人說他的作品有著西方式的大開大合，他卻直言：“我不覺得它是西方，大開合最早的藝術概念其實是寫意，簡單線條勾勒的抽象，我們也早就有。”從小受大寫意藝術的熏陶，讓他的作品根深蒂固地帶著東方的內核，而活在當代的他，只是選擇了更當代的媒材，“用大寫意的方法去做，潑彩，但是我潑的是漆。”

這種融合，不是簡單的拼接，而是深度的“縫合”：“我的腦中隨時有兩個語言與世界並存，東方與西方。所以當我用英文思考的時候，其實寫出來的是中文﹔用中文思考的時候，寫出來的是英文。我的話，是一種縫，把東與西縫在一起。”

五十而知天命活在當下便是最好的創作

即將邁入50歲，蔣友柏身上，看不到絲毫的年齡焦慮，反而有著超越年齡的活力：“我孩子都二十幾歲了，我確實是50歲，但我的身體狀況，一定比你年輕。”這份自信，源於他“把每一天都當作第一天來活”的人生態度。

他坦言，自己從來不會去考慮未來：“你當下若沒有好好生活，未來來了有用嗎？你當下沒有活好，就算明天怎麼樣，又有什麼意義？”這份活在當下的通透，也融入到他的創作之中：“我只能誠實地去呈現現在在想什麼，總不能夠去想象十年后的我，坐在這邊跟你討論這幅畫，太困難了。”

於他而言，藝術創作與人生，本就是同頻的：“藝術不再僅是藝術世界內部的事情，作品與觀者和接受者真正融合的瞬間，才是作品完成之時。”而人生的美好，也在於每一個當下的體驗、每一次與世界的聯結。

從設計師轉變為藝術家，從商業領域踏入純藝術領域，蔣友柏的每一次轉身，都帶著破釜沉舟的勇氣，也帶著對自我的深度探尋。他以單色為底，活出了五彩斑斕的人生﹔以作品為框，邀請每一位觀者共同完成藝術創作﹔以融合為核，在東西方文化的碰撞中，尋找當代藝術的本土表達方式。

此次成都展，是他藝術之路的又一次全新探索，而關於藝術、關於自我、關於時代的思考，他仍在繼續。正如他的作品，永遠未完待續，永遠在與每一個當下的人，產生新的共鳴。

蔣友柏的藝術，絕非高高在上的精英式表達，而是深深扎根於生活、真切觀照人心的真誠創作。他借助工業材料打破藝術邊界，通過單色創作闡釋自我本質，以開放心態擁抱時代變遷，最終讓藝術成為連接自我與他人、傳統與當代、生活與美好的橋梁。

在蓉城的春日裡，這場“萬物有靈|萬像”展覽，不僅是蔣友柏的藝術呈現，更是一份邀請，邀請每一位觀者，在單色的世界中，窺見自己的多彩人生，在藝術的框架內，書寫屬於自己的獨特一筆。

□四川日報全媒體記者 肖姍姍